WeDo Goás (Edgar Goás) es un muralista gallego afincado en Barcelona, formado en escuelas de arte y en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Su pintura es realista, de influencia barroca y muy atenta a la luz y a la composición, y construye las imágenes como si fueran fotogramas de una película: un momento, una situación, un gesto que lo cuenta todo. Ha pintado torres de viviendas, medianeras y fachadas, y trabaja también piezas escultóricas sobre el consumo y la imagen.
Con Rebobinart pintó Back Stage (2025) en el pasaje de Antonio Cuadrillero, en Nou Barris, dentro de NOU Sentit Urbà: un homenaje al Circ Social de Nou Barris que pone el foco en lo que no se ve, lo que pasa detrás del escenario. Hemos hablado con él de cómo construye una escena, de la inteligencia artificial, de la producción en serie de murales, de la precariedad de los artistas y de los límites del arte urbano cuando quiere ser crítico.
Entrevista
Tu trabajo tiene una construcción de escena muy clara, casi cinematográfica. ¿Cómo construyes esa narrativa y qué peso tiene la idea frente a la ejecución?
Normalmente, para mí, la ejecución y la idea siempre van de la mano. Una modifica a la otra. Las características del muro y la forma de afrontar la realización del mural influyen directamente en la construcción de la imagen.
Para llegar a una idea siempre suelo imaginarme una escena, como si del fotograma de una película se tratara: capturar un momento o una situación que represente lo que quiero transmitir.
En una pieza como Back Stage, parece que hay una intención de mostrar lo que normalmente no se ve. ¿Qué te interesa de trabajar desde ese «detrás de escena»?
Me parece muy interesante lo que ocurre en el proceso creativo de todas las disciplinas artísticas, y las personas que se encuentran detrás de las obras. En el caso de las actuaciones en directo, frente al público, los momentos previos y posteriores al show suelen estar cargados de emociones, y en ellos se puede ver perfectamente a la persona que hay detrás y no al personaje. Este tipo de momentos no suelen ser vistos y me parece interesante mostrarlos.
Muchas veces el muralismo se entiende como algo que tiene que ser inmediatamente legible. ¿Te interesa que tu obra se entienda rápido o que genere dudas y segundas lecturas?
Me interesa que tenga varias capas: que haya una primera lectura fácil que atraiga la atención, pero que esté compuesta por pequeños detalles que solo son visibles si te paras a contemplar la obra y que son los que terminan de mostrar el mensaje real de la obra.
En el contexto actual, donde la producción de imágenes es constante, ¿qué crees que hace que una imagen tenga realmente peso en el espacio público?
Que dialogue con el entorno, la sociedad o la arquitectura. Que haya una historia o una intencionalidad sincera detrás de ella, que busque aportar nuevos puntos de vista, generar una reflexión o simplemente despertar un sentimiento o emoción.
La inteligencia artificial está empezando a formar parte del ecosistema creativo. ¿En qué medida crees que puede afectar al valor del trabajo artístico o a la percepción de autoría?
La inteligencia artificial es una herramienta de gran utilidad. Igual que antes teníamos enciclopedias que se quedaron obsoletas con la llegada de internet, cámaras analógicas que fueron sustituidas por digitales, o programas como Photoshop que llevaron la edición a otro nivel, todos los avances tecnológicos pueden y deben ser aprovechados.
Es solo responsabilidad nuestra cómo usamos estos avances. Pronto veremos los distintos caminos que toman los artistas y cómo esto afecta al mundo del arte. También creo que los oficios más «manuales» volverán a ganar valor.
Respecto a la autoría, desde la aparición de las redes sociales e internet todo el mundo tiene la capacidad de ver y replicar otros trabajos, cosa que se lleva haciendo desde hace milenios; el problema es que hasta ahora era necesario tener ciertos conocimientos o habilidades para hacerlo. Esto solo pondrá en evidencia quién tiene esas capacidades y quién no.
Al fin y al cabo, hace unos años, si querías pintar una cebra, por ejemplo, y eras un tipo de artista que se basa en la fotografía para pintar y no podías viajar a África para sacar unas fotos, buscabas en internet fotos de referencia y luego realizabas el diseño y lo pintabas.
Hoy en día, con la IA, este proceso se ha simplificado muchísimo: la IA te permite buscar referencias con mucha más precisión, y esto se traduce en mejores referencias. Por supuesto, esto es solo un ejemplo de los miles de usos que puede tener la IA, y todo depende del uso que cada persona decida darle.
Más allá de la herramienta, ¿te preocupa que se esté desplazando el valor del oficio hacia la generación rápida de ideas o imágenes?
Las personas siempre han tenido la capacidad y la necesidad de crear imágenes e ideas. El problema es el mundo en el que vivimos, un sistema capitalista insaciable que busca la creación de estímulos, del tipo y la calidad que sea, con tal de dar a la población la dosis de dopamina que necesita, una dosis que cada vez es mayor. Esto nos sitúa en una rueda de la que es difícil escapar, y claro, la IA es la herramienta perfecta para esto: permite a cualquier persona sin un bagaje artístico ni conocimientos sobre el oficio saturar el mundo con imágenes y contenido aséptico.
También creo que esta situación pondrá en valor a las personas que consigan crear con calma y logren escapar de esto, creando desde el conocimiento, el sosiego y el amor al oficio.
¿Crees que la IA puede acabar homogeneizando lenguajes o todavía hay espacio para mantener una voz propia fuerte?
Siempre habrá espacio para crear con voz propia. Es más, creo que la IA hará que esto sea más obvio, cuando se vea perfectamente quién ha sabido controlar la herramienta y a quién la ha controlado la herramienta.
El auge de festivales y proyectos de muralismo ha transformado mucho el sector. ¿Crees que están generando contenido relevante o, en algunos casos, se están convirtiendo en producción en serie de murales?
En muchos casos, por desgracia, se está convirtiendo en una producción en masa, pero esto pasa en todos los sectores cuando crecen; es un tránsito natural hacia un modelo mejor.
¿Hasta qué punto sientes que los artistas se adaptan a lo que se espera de ellos dentro de estos contextos, en lugar de proponer algo propio?
La gran demanda de artistas, el sentimiento de poder perder oportunidades y saber que si tú no cedes otro vendrá a ocupar tu puesto está creando situaciones en las que los artistas tienen miedo a proponer cosas nuevas y rompedoras. De la misma forma, esto provoca la precariedad del sector, con artistas que se ven obligados a ceder en el ámbito creativo y económico para poder ganarse la vida con un oficio que ya es complicado de por sí.
Si las condiciones fueran mejores para los artistas y pudieran trabajar desde otra posición e invertir el tiempo necesario que requiere generar una obra, podrían ser mucho más rompedores y libres.
En relación con el público, ¿te interesa que tu obra sea aceptada por los vecinos o crees que el arte en el espacio público también debería generar incomodidad o conflicto?
Siempre hay que respetar a los vecinos, ya que ese espacio es suyo y viven en él.
A quien hay que incomodar es a quien se dirige la crítica.
¿Has tenido experiencias donde la recepción del público haya ido en una dirección muy distinta a la que planteabas inicialmente?
Por suerte, nunca me he encontrado en esta situación. Claro que me he encontrado con personas que me han explicado su disconformidad con ciertos proyectos o situaciones, pero todo el mundo tiene derecho a expresarse y merece ser escuchado.
Cuando trabajas en un proyecto como Nou Sentit Urbà, ¿cómo negocias el equilibrio entre contexto, libertad creativa y expectativas externas?
Soy consciente de que el mero hecho de pintar en ciertas ciudades ya conlleva limitaciones creativas. En el caso de Barcelona ya me he topado con muchos muros a la hora de hacer murales que tocan ciertos temas.
Pero en el caso de Nou Sentit Urbà la intención es mostrar la personalidad del barrio y lo que allí ocurre; en este aspecto resultó fácil, ya que el barrio está lleno de vida e iniciativas populares como el Ateneu Popular 9 Barris y la cultura circense que allí se desenvuelve.
Mirando el sector en general, ¿dónde crees que están hoy los principales límites o contradicciones del arte urbano?
Yo creo que los principales límites los impone el propio gobierno del lugar donde se pinta: hay ciertos temas que siempre es mejor no tocar, ya que pueden jugar en su contra. En otras ocasiones, que en mi experiencia son poco habituales, se tiene total libertad para expresarse.
La mayor contradicción es que en muchos lugares está permitido poner pancartas gigantes en edificios de siete plantas, en el centro de una gran ciudad, anunciando el nuevo iPhone o cualquier otro tipo de producto, pero está prohibido hacer un mural de esas dimensiones y en un lugar tan privilegiado cuestionando la sociedad de consumo, el derecho a la vivienda o cualquier mensaje en favor de los derechos humanos.
¿Qué dirías que está funcionando realmente y qué te parece que empieza a estar agotado?
Por desgracia, creo que lo que está funcionando es el arte decorativo, o el arte sin un mensaje claro que genere debate. Y, acorde con los tiempos de represión que vivimos, estamos dando pasos atrás en el derecho a la libre expresión y en la aceptación del arte urbano como una herramienta para visibilizar las preocupaciones y necesidades de la sociedad.
Más obra del artista: wedogoas.com.
Proyectos destacados con Rebobinart
La intervención de WeDo Goás en NOU Sentit Urbà, el proyecto de arte urbano de Nou Barris producido por Rebobinart.
