PichiAvo

El dúo artístico PichiAvo está formado por los valencianos Juan Antonio Sánchez (Pichi) y Álvaro Hernández (Avo). Se formaron en Bellas Artes y Diseño, y en 2007 se encontraron en la escena grafitera valenciana, fue entonces cuando decidieron empezar a trabajar juntos y formar PichiAvo. Estos artistas son conocidos por su estilo Urban Mythology, el cual consiste en fusionar el arte clásico y el arte urbano contemporáneo, consiguiendo de esta manera una identidad propia y única. PichiAvo han convertido en artistas de renombre internacional, llegando a ciudades como Oporto, donde crearon el segundo mural de arte urbano más grande del mundo, o en Nueva York, donde realizaron una intervención en el mítico Houston Bowery Wall.

PichiAvo: dos personas y una misma obra. ¿Cómo se produjo esta simbiosis? ¿Cómo encontrasteis un equilibrio entre los dos?

Ha sido un proceso natural no premeditado. Nos conocimos haciendo una misma actividad pero trabajando por separado, y poco a poco fuimos viendo que juntos podíamos hacer muchas más cosas, siempre con una confianza mutua y olvidándonos de esa parte egocéntrica que quizás muchos artistas tienen. Esa es probablemente la clave, junto a la creencia en el nosotros como equipo de trabajo.

Vuestro estilo artístico se ha encapsulado con un concepto muy concreto, UrbanMythology, por la conjunción de la estética del graffiti con la estética del arte clásico y la mitología grecorromana. ¿Es algo que nace de manera orgánica? ¿Cómo llegáis a desarrollar este lenguaje artístico a partir del trabajo colectivo?

Pese a que no sabemos muy bien cómo nace el término UrbanMythology, sí es cierto que quizás pueda expresar lo que hacemos de una manera plástica y conceptual. Sin embargo, no creemos en términos ni etiquetas, ya que no queremos que lo que hacemos tenga límites. Siempre intentamos que la naturaleza de la obra y el nacimiento de ella sea orgánica y no forzada, de esa manera expresas quién eres con pureza y puedes defender lo que haces, ya que es una parte de ti. Todo este mundo que intentamos crear se enriquece si viene del pensamiento colectivo, ya que se nutre de más opiniones y los conceptos crecen por los diferentes conocimientos. No se puede abarcar todo y creemos que para eso existen los equipos de trabajo, para nutrir un lenguaje, una idea y así acercarnos a esa perfección que buscamos, siempre por el bien común de la idea artística y respetando a cada individuo.

La estética y la belleza siempre han sido conceptos sujetos a debate en los campos de la filosofía y de la historia del arte. Precisamente, cada época tiene unos cánones de belleza preestablecidos y el arte muchas veces actúa como espejo de esta realidad temporal. ¿Diríais que vuestro estilo trasciende o cuestiona algunas de las fronteras estéticas arraigadas al campo del arte actual?

Podríamos abordar el tema de la estética y la belleza durante horas y horas, es una cuestión que nos encanta. Nuestro estilo cuestiona y juega con el límite de lo que muchos consideran algo bello, es un juego que nos encanta hacer. Si hablamos de esculturas clásicas y su estética, mucha gente las considera bellas en el estado que se encuentran actualmente en los museos, con su blanco mármol, el material original a la vista. En cambio, en otras épocas esto no era así. Estaban pintadas, haciendo un reflejo de la realidad, y así se las consideraba bellas. ¿Qué hacemos nosotros? Estamos entre las dos épocas jugando y dando nuestra visión. Más que poner en cuestión la estética y belleza actual, intentamos descuadrar lo que a la gente le parece normal, con lo que están cómodos visualmente.

Precisamente, el hecho de fusionar arte clásico con graffiti, algo que no todo el mundo considera una expresión artística, abre un espacio para todo tipo de reacciones. ¿Qué esperáis generar en aquellas personas que ven vuestra obra por primera vez? ¿Para vosotros, es algo negativo la provocación?

Procuramos provocar sentimientos y hacer reflexionar sobre lo que el espectador ve, de ahí la intención del impacto visual, esa fusión de un elemento que mucha gente aún no lo encaja en el arte junto al arte clásico, muchas veces olvidado. Eso a veces podría considerarse una provocación visual donde ensalzamos a nuestra manera esos dos mundos que tanto nos apasionan.

La mitología grecorromana en parte refleja las inquietudes, las costumbres, las jerarquías y la vida de la Antigua Grecia y de la Antigua Roma. ¿Cómo trasladáis estos relatos y leyendas a un contexto contemporáneo?

Siempre hemos pensado que hay mucho que aprender del pasado, y muchas situaciones de otras épocas todavía siguen latentes en nuestra sociedad actual. Muchas veces adaptamos los mitos a nuestro tiempo ya que consideramos que están obsoletos gracias a la evolución de la sociedad, en cambio en otras obras mantenemos el mito original, respetando su significado. De esta manera narramos elementos de la historia que nos ayudan a comprender quiénes somos y a dónde debemos ir.

¿Cómo os influye el contexto y el entorno del espacio público en el proceso de conceptualización de una obra?

Esa influencia del espacio es algo lógico, es algo de lo que debemos ser conscientes, de lo contrario, nuestra obra perdería parte de su concepto. Nos encanta ver y sentir dónde estamos para generar algo específico para el lugar.

Murales de gran formato, esculturas, murales en contenedores, la falla de Valencia… Aunque hace tiempo que trabajáis con un mismo estilo, nunca dejáis de sorprender con nuevas piezas, soportes y materiales. ¿Consideráis que estáis en un punto de vuestra carrera en qué la evolución artística pasa por la experimentación con nuevos formatos y técnicas? ¿Qué papel tiene en este proceso la investigación y el trabajo previo en el estudio?

Si haces un recorrido por nuestra carrera, verás que siempre estamos experimentando. Esa experimentación no se verá al momento, sino que se necesita tiempo para que sea visible. Actualmente estamos produciendo cosas que se experimentaron hace dos o tres años, y lo que experimentamos hoy quizás salga a la luz en un futuro. La experimentación es fundamental en la carrera de un artista, ambas tareas (trabajo actual y experimentación) deben crecer a la vez, ya que sin el trabajo previo en el estudio no existiría lo que hacemos hoy.

Durante le ejecución de un mural en la calle, ¿qué parte hay de improvisación y qué parte hay de planificación previa?

Todo el fondo de graffiti de los murales es improvisado00. Podemos tener algo previo en mente, pero creemos que esa parte del proceso se corresponde a la improvisación. La base es importante ya que dará matices a la parte de la figura clásica que quizás es la más académica y que está planificada previamente con un boceto. Es importante que ambas partes se equilibren para ofrecer un resultado fresco, que dé cabida a la improvisación.

En 2019 pintasteis un mural con la diosa griega Atenea en la nueva residencia de estudiantes de Temprano Capital Partners en Esplugues (Barcelona). El edificio se diseñó explícitamente para que hubiera un mural en la fachada principal. ¿Por qué creéis que cada vez hay más empresas privadas y marcas que apuestan por desarrollar proyectos de arte urbano?

El público va creciendo y las últimas generaciones han crecido con este movimiento. Estamos en un momento en el que esas generaciones que crecieron con el arte urbano están madurando, están en puestos de responsabilidad, toman decisiones… Y eso se nota. Afortunadamente, cada vez hay más proyectos como el de Esplugues.